Schlagwort: Rückblende

Landtagswahl – zwei Fragen an die Vertreter von den Grünen, FDP, Linken, SPD, CDU und Piraten
Wie fördert Ihre Partei Kunst und Kultur? Was tun Sie für die Senioren?
Diese beiden Fragen stelle ich in der Kirchheimer Fußgängerzone den Vertretern der Parteien, die 2011 in den Baden-Württembergischen Landtag einziehen möchten.
Was hat sich an den Werbesprüchen der Parteien vor Wahlen seit 2011 geändert?
Die Marktstraße ist gespickt mit bunten Parteischirmen, Tischen mit Prospekten, Kugelschreibern, Bonbons und Luftballons mit Parteilogo. Atomkraft und Stuttgart21 sind die kontrovers diskutierten Spitzenthemen in diesem Wahlkampf, auf die sich alle vorbereitet haben; aber ich möchte nicht mit emotionalen oder rhetorisch geschulten Parteireden überrannt werden.
Meine beiden Themen spielen in diesem Wahlkampf nur eine untergeordnete Rolle. Wie sehr, werde ich erst gewahr, als keiner spontan darauf antworten kann. Alle schlagen noch schnell ihr Parteiprogramm auf, nach einem überraschten: „Da haben Sie mich auf dem kalten / falschen / linken Fuß erwischt“
Alle? Alle, bis auf einen!
Andreas Schwarz von den Grünen antwortet mir freundlich, sachlich und kompetent.
Für die Senioren setzen die Grünen sich für eine Grundsicherung ein, mit der die Rentner ihr eigenes Leben selbst gestalten können.
In Kunst und Kultur möchten sie nicht nur die Landestheater und großen Galerien fördern, sondern auch die Situation der selbstständigen und freischaffenden Künstler verbessern – um nur einige Punkte zu nennen.
Der FDP ist das Eintrittsalter für Rentner egal.
Ein beachtenswerter Vorschlag: Jeder kann bestimmen, wann er/sie die Rente erhalten will. Die Höhe der Rente richtet sich nach den eingezahlten Beiträgen. Mit siebzig dürfte die monatliche Rente üppiger ausfallen als mit fünfzig. Gut könnte sich diese individuelle Lösung für Künstler oder Freiberufler auswirken, die damit eine Grundsicherung erhalten, aber dennoch weiter in ihrem Beruf arbeiten, in dem sie nur sporadisch etwas verdienen.
Beim Thema „Kunst und Kultur“ musste der FDP-Mann erst nachschlagen – also nix damit.
Die Linken sind ganz klar gegen eine Rente mit 67.
Kunst und Kultur halten sie für wichtig, können aber spontan nichts darüber sagen. Als sich selbst mit Nachschlagen im Parteiprogramm kein Hinweis dafür ergibt, klären sie mich auf, dass das Geld dafür da sein wird, sobald die Reichensteuer eingeführt wird, und die (hier setzt die Wahlkampfrede gegen Reiche und für die arbeitende Klasse ein)…
Darauf warte ich nicht, also: nix mit Kunst und Kultur.
Auf meine Frage: „Was tun Sie für die Senioren?“
sieht mich der Mann von der SPD an, als hätte ich etwas unanständiges gesagt und erwidert mit Bestimmtheit: „Also – bis 67 werden Sie schon noch arbeiten müssen. Anders ist die Rente nicht zu finanzieren!“
Zum Thema Kunst zählt er mir alles auf, was die SPD in Kirchheim auf die Beine gestellt hat. Auf Landesebene fällt ihm nichts aus Vergangenheit oder Zukunft ein: „Sobald wir an der Regierung sind, wird sich das ergeben.“
Von einem Blanko-Auftrag träumen andere Parteien auch.
Der Vertreter der CDU musste auch erst im Parteiprogramm nachschauen.
Immerhin hat er herausgefunden, dass seine Partei schon immer das Staatstheater gefördert hat.
Auch zu den Senioren, der wohl stärksten Wählergruppe, fällt ihm nicht viel ein. „Sie erhalten bei uns kein Rundum-Sorglos-Paket. Wir fördern Hilfe zur Selbsthilfe.“ Dreimal wiederholte er diesen Satz, aber wie die Selbsthilfe auszusehen hat, konnte er mir nicht sagen. Zuerst kam er darauf zu sprechen, dass die Förderung sich auf ein ganzes Leben beschränkt, angefangen bei den Kindergärten. Bei der nächsten Wiederholung wollte er mir etwas über die Hochschulförderung erzählen. Auf meine Bitte, beim Thema zu bleiben, wiederholte er sein Sprüchlein und ich bedankte mich artig.
Nix da mit bei der CDU mit Senioren, Kunst und Kultur.
Bei der Piratenpartei hatte der junge Mann gerade sein Abitur hinter sich gebracht.
Noch hatte er keine Zeit, sich mit derartigen Themen zu beschäftigen.
Fazit: Ich gehe morgen zur Wahl.
Wie immer mache ich auch morgen von meinem Wahlrecht Gebrauch. Ich verschwinde in der Kabine, mache mein Kreuzchen und stecke meinen Wahlzettel in die Urne.
Und wen werde ich wählen?
Das verrate ich nicht – denn wozu haben wir ein geheimes Wahlrecht?!
Weiß gehört zu den neutralen Farben, und meines Wissens vollkommen unpolitisch 😉
Farbe zeigen:
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26. Juni 2019
♫ La Boheme im Pfalztheater: Betonwand öffnet sich zum nachtblauen Meeresblick
Eine Neuinterpretation der Oper La Boheme von Giacomo Puccini bringt das Pfalztheater Kaiserslautern. Es ist immer wieder schön zu sehen, wie viel Kreativität mit jeder neuen Inszenierung freigesetzt wird. Selbst bei diesem oft gespielten Stück variieren Bühne (Thomas Dörfler), Kostüme (Heiko Mönnich) und Inszenierung (Thomas Wünsch). Sie zaubern eine Stimmung fremdartigen Künstlerlebens.
Ein Industrie-Wendeltreppe – bevorzugter Aufgang und Abgang der Sänger – führt hinunter ins Untergeschoss einer großen Halle. Hier leben die vier Freunde. Rodolfo (Pedro Velázquez Díaz) der Dichter, wirkt noch am bürgerlichsten in seinem Anzug, die Krawatte immer offen herunter hängend. Marcello (Gukhoe Song), der eifersüchtige Maler und Schaunard (Daniel Böhm), der immer gut gelaunte Musiker kommen eher als Bohemiens daher. Und der griesgrämige Philosoph Colline (Alexis Wagner) sieht in seiner schwarzen Kluft mit den Springerstiefeln aus, als gehöre er zu den Grufties, die den Platz direkt vor dem Theater bevölkern. Mimi (Adelheid Fink) kleidet sich straßenköterfarben unauffällig, während Musette (Arlette Meißner) in rotem Abendkleid und weißem Hosenanzug schillerndes Flair hineinbringt.
Betonmauern brechen auf und geben den Blick aufs Meer frei
In der Liebesszene von Rodolfo und Mimi teilt sich die Betonmauer und gibt den Blick aufs dunkelblaue Meer frei – am Horizont ein nachtblauer Himmel. Beide gehen Hand in Hand ins immer heller werdende Blaue, während sie sich klar mit ihren dunklen Silhouetten vor der beginnenden Tageshelle abgrenzen.
In Mimis Sterbeszene beherrscht die Bühne ein riesiges Loch in der Wand. Die Steine liegen dazwischen auf einem Haufen, darauf thront der Mond als Riesenkugel. Im Laufe von Mimis Krankheit öffnen sich die Mauern und lassen den Blick frei auf das dunkelblaue Meer mit einem nachtblauen Horizont, der immer dunkler wird.
Adelheit Fink als Mimi agiert sowohl mit Stimme als auch Darstellung stark überzeichnet.
während Pedro Velázquez Díaz (Rodolfo), Arlette Meißner (Musetta), Gukhoe Song (Marcello),
Daniel Böhm (Schaunard) und Alexis Wagner (Colline) sich stimmlich eher zurückhalten, darstellerisch aber gut in Form sind.
Das gut aufgelegte Pfalzorchester spielt unter dem Dirigat von Till Hass.
La Bohème – Oper von Giacomo Puccini im Pfalztheater Kaiserslautern
Till Hass (Musikalische Leitung)
Thomas Wünsch (Inszenierung)
Thomas Dörfler (Bühne)
Heiko Mönnich (Kostüme)
Ulrich Nolte (Choreinstudierung)
Besetzung am 19. März 2011
Adelheid Fink (Mimi)
Pedro Velázquez Díaz (Rodolfo)
Arlette Meißner (Musetta)
Gukhoe Song (Marcello)
Daniel Böhm (Schaunard)
Alexis Wagner (Colline)
Shin Nishino (Parpignol)
Frank Gersthofer (Benoît/Alcindor)
Hubertus Bohrer (Sergeant)
Mehr zum Thema „La Boheme“:
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24. Juni 2019
♫ 50 Jahre Stuttgarter Ballett – CRANKO / VAN MANEN / BÉJART – drei wichtige Choreographen
Das Stuttgarter Ballett feiert sein 50-jähriges Jubiläum zum Auftakt mit Cranko, van Manen und Béjard. Drei große Choreographen mit unterschiedlichen Sichtweisen auf menschliche Beziehungen:
Initialen R.B.M.E. Harmonie und Zusammengehörigkeit / Frank Bridge Variations Tanz der Individualisten / Bolero Streben nach der Mitte.
Cranko – INITIALEN R.B.M.E. Harmonie – Harmonie – Harmonie
John Cranko widmete den Tänzern Richard Cragun, Birgit Keil, Márcia Haydée und Egon Madsen seine Choreographie, die er nach ihren Initialen R.B.M.E. nannte. Als Musik nahm er die vier Sätze von Brahms Zweitem Klavierkonzert – uraufgeführt wurde das Werk 1972.
Bernsteingelb, Mondsteingrau, Aquamarinblau, Chrysocollgrün.
Pastellfarben sind die hautengen Trikots der Tänzerinnen und Tänzer. In den gleichen Farben das Riesenposter, das den Hintergrund der Bühne einnimmt.
Man stelle sich vor, der Kostümbildner Jürgen Rose hat auf ein saugfähiges Blatt Japanpapier als Farbprobe von jeder Kostüm-Farbe einen Tropfen fallen lassen, der sich darin bizarr ausgebreitet hat. Dieses Tropfenmuster sieht man in hundertfacher Vergrößerung, wie durch eine Lupe, als Bühnenhintergrund. Vor dieser Farben-Poesie tanzen sie mit eleganten, fließenden Bewegungen – Ton in Ton. Elegante Bewegungen und Brahms Musik sind eins. Jede Geste und jeder Schritt findet seine Spiegelung im Rhythmus des Klavierkonzertes.
Der dritte, langsame Satz ist in Zartblau gehalten, genau die Farbe des Edelsteins Aquamarin. Kostüme, Bildhintergrund und halbdunkle Bühne bilden eine Einheit mit den elegischen Melodien und fließenden Tanzschritten.
Großes Ballett – die (gefühlte) vollzählige Anzahl der ganzen Stuttgarter Kompanie befindet sich auf der Bühne, und alle zusammen ergeben ein Ganzes. Ein Organismus, der sich zwischendrin teilt und wieder findet. Jeder Tänzer veranschaulicht einen Teil der Zusammengehörigkeit.
Van Manen – Frank Bridge Variations – Tanz der Individualisten.
Sie kommen hereingewirbelt, tanzen ihre Pirouetten und werden, wie vom Sturm, wieder hinaus gepustet. Lauter Individualisten – Schwarzoliv die eng anliegenden Trikots der Herren, Schwarzrot die der Damen. Selbst wenn sie im Gleichschritt gehen – einige Schritte vor, seitwärts, herumdrehen – geht jeder für sich, den Kopf nach unten gesenkt. Es stoßen einige Tänzer zu dieser Gruppe, die ein paar Schritte mitgehen. Andere verschwinden zur Seite weg.
Paare gehören nur für eine begrenzte Zeit zusammen. Plötzlich, abrupt, dreht sich einer um und verschwindet zur Seite. Der Expartner hält für eine Schrecksekunde inne und tanzt dann umso kraftvoller seine Soli.
Alle drei Choreographien sind gleich – aber eine ist gleicher
Alle Choreographien zeichnen sich aus durch Tänzer, die gleich akkurat ihre formvollendeten Bewegungsabläufe zur Musik tanzen. Das Orchester spielt ebenso melodisch die großen Werke. Mimik, Gestik und Musik passen ohne Unterschied exakt zueinander.
Aber eine der drei Choreographien kitzelt die Emotionen. Es ist die mittlerweile – fast auf den Tag genau – 50 Jahre alte Choreographie von Maurice Béjart mit dem Bolero von Ravel. Am 10. Januar 1961 wurde sie im Théâtre de la Monnaie in Brüssel uraufgeführt. Béjart – Bolero – Streben zum Mittelpunkt.
- 1. Teil CRANKO / VAN MANEN – Drei Choreographen und das Stuttgarter Ballett
- 2. Teil BÉJART – Stuttgarter Ballett tanzt den Bolero
INITIALEN R.B.M.E.
Choreographie John Cranko
Musik Johannes Brahms
Bühnenbild und Kostüme Jürgen Rose
Uraufführung 19. Januar 1972, Stuttgarter Ballett
Weitere große Choreographen:
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Besetzung am 13. Januar 2011 im Staatstheater Stuttgart:
I. Satz
Filip Barankiewicz
Rachele Buriassi, Ami Morita
II. Satz
Alicia Amatriain
Anna Osadcenko, Alessandra Tognoloni
Evan McKie, Nikolay Godunov, William Moore
III. Satz
Sue Jin Kang, Jason Reilly
IV. Satz
Alexander Zaitsev
Laura O’Malley
FRANK BRIDGE VARIATIONS
Choreographie Hans van Manen
Musik Benjamin Britten
Bühne und Kostüme Keso Dekker
Licht Bert Dalhuysen
Uraufführung 18. März 2005, Het Nationale Ballet, Amsterdam
Erstaufführung beim Stuttgarter Ballett 14. Januar 2011
Besetzung am 13. Januar 2011 im Staatstheater Stuttgart:
Maria Eichwald, Marijn Rademaker
Katja Wünsche, Jason Reilly
Rachele Buriassi, Jelena Bushuyeva, Alessandra Tognoloni
Roland Havlica, David Moore, Daniel Camargo
19. Juni 2019
♫ Stuttgarter Ballett – Bolero in 3 Farben: Rot, Schwarz, Haut
Zeitlos: Bolero mit Musik von Maurice Ravel, eine Choreographie von Maurice Béjart, getanzt vom Stuttgarter Ballett.
Der „Bolero“ reißt mit!
… reißt allein schon durch die Musik mit; immer die gleiche Melodie. Erst erklingt nur die Klarinette, dann folgen andere Instrumente, dann Instrumentengruppen wie Streicher und Bläser, bis das ganze Orchester spielt. Die Emotionen schrauben sich von selbst hoch. Mit dem Tanz – konkret: mit diesem Tanz – potenziert sich das Erlebnis. Erst eine dunkle Bühne, dann ein kleiner Scheinwerferpunkt genau in der Mitte. Abwechselnd werden Arme, Hände, Kopf, dann der ganze Körper des Solotänzers (mitreißender Friedemann Vogel) angestrahlt. Allmählich kommt der riesige, runde, blutrote Tisch zum Vorschein – eine Bühne im Mittelpunkt der Bühne. Auf ihm tanzt Friedemann Vogel auf einer Stelle – kleine schnelle Schritte – während seine Arme die Bewegungen einer indischen Tempeltänzerin figurieren.
40 junge Männer auf der Bühne
Rechts, links und hinten sitzen auf Stuhlreihen 40 junge Männer, alle mit bloßem Oberkörper und langen, schwarzen Hosen, die Arme auf die Knie gestützt, blicken sie unverwandt zum Mittelpunkt hin – zum Tänzer auf dem roten Tisch. Das hat etwas Sakrales an sich, wie die Anbetung eines indianischen Sonnengottes.
Immer, wenn in der Musik eine neue Instrumentengruppe beginnt, stehen jeweils zwei Tänzer auf, nicken im stampfenden Rhythmus der Musik, tanzen danach um den Tisch herum, immer den Solisten im Blick. Die Reihen auf den Seiten lichten sich. Mehr und mehr junge Männer begeben sich in die Arena zu diesem Initiations-Ritus, als würden sie der Gottheit einer Naturreligion huldigen. Wie Derwische in Trance tanzen sie um die Plattform herum.
Starke Bilder, besonders das letzte.
Die Tänzer bücken sich im Kreis zu dem riesigen, blutroten Tisch, weiten die rote Scheibe mit ihren Körpern aus. Ihre ausgestreckten Arme bilden wie Speichen einen hellen Ring, gefolgt vom Kranz ihrer dunklen Köpfe. Die bloßen Oberkörper formen den äußern hellen Ring. Den Abschluss des dreifarbigen Riesenrades begrenzt ein Wall aus schwarzen Hosen.
Im Schlussakkord springen sie auf und reißen die Arme in die Höhe.
Genau das Zeichen für die atemlos gewordenen Zuschauer, in Jubel auszubrechen.
- 1. Teil CRANKO / VAN MANEN – Drei Choreographen und das Stuttgarter Ballett
- 2. Teil BÉJART – Stuttgarter Ballett tanzt den Bolero
Bolero
Choreographie Maurice Béjart
Musik Maurice Ravel
Licht John van der Heyden
Uraufführung 10. Januar 1961, Théâtre de la Monnaie, Brüssel
Erstaufführung beim Stuttgarter Ballett 21. Juli 1984
Besetzung am 13. Januar 2011 im Staatstheater Stuttgart:
Friedemann Vogel
William Moore , Alexander Jones
Damiano Pettenella , Nikolay Godunov
Musikalische Leitung James Tuggle

Mann oh Mann:
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18. Juni 2019
Kommissar Kluftinger, Star der Regionalkrimis
Im Buch, im Fernsehen, im Theater – Kommissar Kluftinger ist überall anzutreffen – seit Jahren.
Das Landestheater Schwaben lässt den Allgäuer Kult-Kommissar samt Verdächtigen in der „Rauhnacht“ auf der Bühne lebendig werden. So lebendig wie im Buch? Fans der Regionalkrimis sind gespannt!
Vor der offiziellen Eröffnung ihres Hotels lädt die Wirtin Julia König Gäste ein zu einem Detektivspiel. Als Ehrengast begrüßt sie Kommissar Kluftinger im Kostüm von Hercule Poirot, dem Meisterdetektiv von Agatha Christie – der mit den kleinen grauen Zellen. Kaum sind alle Gäste da, hält ein Schneesturm sie im Haus gefangen. Alles erinnert stark an die „Mausefalle“ von Agatha Christie – und so geht es auch weiter. Zwei eigens engagierte Schauspieler führen den Krimi auf, damit das Detektivspiel losgehen kann. Tatsächlich wird aber einer der anwesenden Gäste ermordet, nämlich Bankdirektor Weiß.
Kommissar Kluftinger vernimmt die Verdächtigen
Und schon stellt sich bei der Vernehmung der einzelnen Gäste heraus, dass alle ihn gut kannten, nicht mochten und ihm alles Schlechte wünschten. Seine Frau hasste ihn, weil er schuld ist an ihrem entstellten Gesicht und dem steifen Bein. Er hat den Unfall verschuldet und ist dabei ohne Verletzung weggekommen. Jetzt erbt sie alles und möchte sich von dem Geld den Luxus leisten, den er ihr nicht gegönnt hat. Das Schauspieler-Ehepaar ist nicht nur für die Darstellung des Krimis zuständig, sondern auch unter sich zerstritten. Als Schauspieler können sie aber nach außen den Schein wahren. Ihr einziger Sohn ist bei dem Unfall – verursacht durch Bankdirektor Weiß – ums Leben gekommen.
Die junge Reporterin Alexandra Gentler wurde eingeladen, um in der Lokalpresse über dieses Spiel zu berichten und damit die Werbetrommel anzukurbeln. Sie hatte mit Weiß ein Verhältnis. Allerdings wollte sie mehr als er. Gregor Eckstein beschuldigt Weiß, sein Leben, seinen Ruf und seine Finanzen ruiniert zu haben. Eckstein besetzte vor ihm den Posten des Bankdirektors. Julia König hat sich finanziell stark verausgabt. Sie verdankt Bankdirektor Weiß einen hohen Kredit, ist aber auf sein Wohlgefallen angewiesen. Ihr Mann Klaus ist ihr keine Stütze, denn er hält sich nur an der Flasche und am Rotweinglas fest.
Am Ende des Stückes werden alle zusammengerufen
Für jede einzelne Person baut Kluftinger einen Tathergang samt Motiven auf, um dieses Motiv wieder zu verwerfen oder zu relativieren, bis zum Schluss nur noch der/die Mörderin übrig bleibt, auf die vorher kein Verdacht fiel. (the same procedure than … Agatha lässt grüßen)
Kommissar Kluftinger ist Kult!
Warum? An dem Stück, dieser platten Agatha-Christie-Adaption, kann es wohl nicht liegen, dass dieser Krimi so erfolgreich ist. Es liegt vielmehr an den Typen – und die gibt es hier reichlich. Köstlich zeigt sich Peter Hölscher als der ewig angedudelter Ehemann der Hotelwirtin; wenn er seine Bemerkungen dazwischen ruft, mit denen keiner rechnet; wenn er sich verausgabt, die wirre Perücke abnimmt und sich den Schweiß von der Glatze wischt, um die Perücke noch unpassender aufzusetzen. Jessica Wall als Femme fatale der Lokalnachrichten besticht durch ihre Mimik und Gestik, die die Männer glaubhaft dahinschmelzen lässt. Auch der lange Blick in Richtung einer bestimmten Person, mit dem sie zeigen will, wen sie für den Mörder hält, geht unter die Haut. Ihre geschmeidige Figur mit dem katzenhaften Gang, das männliche Opfer nicht aus ihrem Blickfeld lassend, spricht Bände. André Stuchlick als Kluftinger mimt den immer ruhigen Kommissar, der alles sieht, miteinander kombiniert und dessen größtes Vergnügen das Essen ist. Der Duft der Kässpätzle ließ wohl bei einigen Zuschauern das Wasser im Munde zusammen laufen. Sein genussvolles essen samt dem Kampf mit den Käsefäden vielleicht weniger. Michaela Fent spielt glaubwürdig die rachsüchtige Frau, die den Verlust ihres Kindes nicht verkraften kann, die aber als Schauspielerin immer wieder in ihre Rolle zurückfindet. Anke Fonferek gibt eine gute Hotelwirtin, die kaum etwas – auch kein Mord – aus der Ruhe bringen kann. Immer nett und freundlich versorgt sie ihre Gäste mit Kaffee und Vitaminen.
Fridtjof Stolzenwald hat als Doktor Martin Langhammer etwas zu dick aufgetragen. So überkandidelt kann keine glaubwürdige Figur sein. Katharina Puchner als nicht trauernde Witwe, Mario Lohmann als genervter Schauspieler und Ehemann und Helwig Arenz als der miesepetrige Exbankdirektor vervollkommnen diese Welturaufführung (O-Ton Landestheater Schwaben).
Ein kurzweiliger Abend.
Rauhnacht
Nach dem Krimi von M. Kobr und V. Klüpfel Bühnenfassung von Walter Weyers
Landestheater Schwaben
Inszenierung: Walter Weyers
Bühne und Kostüme: Sabine Manteuffel
Regieassistenz: Christin Alexandrow / Carina Gerwig
Besetzung am 7. Dezember 2010:
André Stuchlik – Kommissar Kluftinger
Fridtjof Stolzenwald – Dr. Martin Langhammer
Anke Fonferek – Julia König
Peter Höschler – Klaus Anwander
Katharina Puchner – Franziska Weiß
Mario Lohmann – Frank Rieger
Michaela Fent – Constance Rieger
Helwig Arenz – Georg Eckstein
Jessica Wall – Alexandra Gertler
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Spannung
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11. Juni 2019
♫ Chowanschtschina von Modest Mussorgski in der Hamburger Staatsoper
Wie die Zeit vergeht …
Aufführung der Oper Chowanschtschina am 18. November 2010 mit Matti Salminen, der an diesem Tag sein 40jähriges Bühnenjubiläum an der Hamburger Staatsoper feiert.
Schöne, dunkle Stimmen dominieren diese Opernaufführung. Als Mittelpunkt des Abends sei Matti Salminen genannt mit seinem schwarzen Bass, gepaart mit darstellerischen Talent. Meine Favoritin des Abends ist Elena Zaremba als Marfa mit ihrer warmen, tiefen Stimme. Ebenfalls volltönend und dunkel die Stimme von Tigran Martirossian als der Priester Dossifej.
Inszenierung von Harry Kupfer, Bühnenbild von Hans Schavernoch, Kostüme von Reinhard Heinrich
Das Bühnenbild der Oper Chowanschtschina von Hans Schavernoch wirkt wie ein Parkhaus von außen. Durch die Betonpfosten fällt der Blick bis zum Bühnenende. In jedem Akt ändert sich der Hintergrund. Hauptsächlich der Chor spielt hinter diesen Mauern. Dieser hervorragende Chor unter der Leitung von Christian Günther singt nicht nur, sondern belebt die Bühne, ohne von der Handlung abzulenken. Hier ist viel von der Personenführung zu spüren, für die die Inszenierungen Harry Kupfers bekannt sind.
So richtig zeigt sich das Regietheater – mit der für Harry Kupfer typischen Personenführung – sonst fast nur noch bei Matti Salminen, der auch schon in der Premiere 1994 den Chowanskij sang und spielte. Wie er als Chowanskij am Tisch sitzt und sich eine Leckerei nach der anderen auftragen lässt, während das Volk draußen hungert und stirbt, das hat was. Abrupt teilt er die Tischplatte mit beiden Armen in der Mitte und fegt die Tischdekoration auf den Boden. Es poltern die Becher, die Metallschale trudelt geräuschvoll am Boden entlang, die die Speisen fliegen durch den Raum. Chowanskij, mehr breit als hoch, befiehlt, die Persermädchen zu bringen. Es folgt die Balletteinlage (Choreographie Roland Giertz ) der persischen Mädchen, die auf dem frei gewordenen Tisch tanzen. Der Kostümbildner Reinhard Heinrich schien für die Kostüme der Tänzerinnen einmal über die Reeperbahn geschlendert zu sein.
Es kann sein, dass dieser Mix aus alten und neuen Kostümen zur Popularität dieser Inszenierung beigetragen hat. Der Chor als Hintergrund kleidet sich in neutralen Farben von Grau bis Beige mit ländlich-russisch angehauchten Kostümen. Soldaten treten in stalinistischen Uniformen auf. Die Sänger/Solisten wirken in ihren prachtvollen Gewändern. Fürst Golizyn sitzt an einem modernen Managerschreibtisch im Riesenformat.
Matti Salminens 40jähriges Bühnenjubiläum
Matti Salminen glänzt am heutigen Tag als der Star des Abends. Fast auf den Tag genau, am 1. November 1970, stand er zum ersten Mal auf der Bühne der Hamburger Staatsoper. Man kann ihn getrost als Ausnahmeerscheinung bezeichnen, denn sowohl seine Stimme als auch seine Darstellungskraft haben sich über all die Jahre gehalten. Auf einem überdimensionalen Sessel in der Mitte der Bühne, umringt von den Darstellern der Oper, thront Matti Salminen, gekleidet als Fürst Chowanskij. Riesig und erhaben wirkt er mit seinem Fellmantel, über den noch einmal ein goldener Umhang geworfen ist.
Simone Young, die auch die Vorstellung dirigierte, gratuliert ihm zu diesem Jubiläum. Als Dank umarmt er sie, dass den Zuschauern angst und bange wird, denn Matti Salminen ist mindestens zwei Kopf größer, bei einem dreifachen Körperumfang. Ein paar Schrecksekunden lang verschwindet die zierliche Simone Young in den Fängen eines Bären, kann sich aber ohne äußerlich sichtbare Quetschungen wieder befreien.
Die nächste Vorstellung ist gerettet.
Chowanschtschina von Modest Mussorgski der Hamburger Staatsoper
INSZENIERUNG: Harry Kupfer
BÜHNENBILD: Hans Schavernoch
KOSTÜME: Reinhard Heinrich
CHOREOGRAFIE: Roland Giertz
Es spielen die Philharmoniker Hamburg.
Es singt der Chor der Hamburgischen Staatsoper
Besetzung am 18. November 2010
Musikalische Leitung: Simone Young
Chor: Christian Günther
Kinderchor: Jürgen Luhn
Fürst Iwan Chowanskij: Matti Salminen
Fürst Andrej Chowanskij: Michael König
Fürst Wassilij Golizyn: Peter Galliard
Schaklowitij: Lauri Vasar
Dossifej: Tigran Martirossian
Marfa: Elena Zaremba
Ein Schreiber: Jürgen Sacher
Emma: Katerina Tretyakova
Kusjka: Dovlet Nurgeldiyev
1. Strelez: Levente Páll
Strechnjew / 2. Strelez: Dong-Hwan Lee

Chowanschtschina:

Überraschen Sie Opernliebhaber mit diesem idealen Opernführer als Geschenk. Der Opernführer „Aida bis Zauberflöte“ bietet eine Zusammenfassung von 55 Opern, die im Kulturmagazin 8ung.info zu finden sind. Ob großformatig mit gut lesbarer Schrift, als handliches Taschenbuch oder praktisches Ebook – dieser Wegweiser ist der perfekte Begleiter für Ihren nächsten Opernbesuch.
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7. Juni 2019
♫ Fledermaus von Johann Strauss in der Staatsoper Stuttgart
Die Fledermaus von Johann Strauss, eine spritzige Verwechslungskomödie mit bekannten Zitaten und eingängigen Melodien, löst in einer Neuinszenierung von Philipp Stölzl gemischte Gefühle aus.
Prinz Orlofsky langweilt sich und will von seinem Arzt Dr. Falke Miljenko Turk wissen, ob er ihn heute noch zum Lachen bringen wird. Helene Schneidermann singt und spielt ihre Paraderolle als Prinz Orlowski hervorragend wie in der letzten Inszenierung im Jahre 2000. In einem Fantasiewald – direkt an der Bühnenrampe – geht er/sie herum wie ein Dompteur. An, auf, hinter jedem Baumstumpf stehen leicht bekleidete Revue-Girls einer Burleske-Show in Wartestellung. Auf den Knall seiner Peitsche begeben sich ein paar frivol aussehende Damen auf einen rotierenden Baumstumpf, vollführen einige aufreizende Bewegungen und verharren bei einem weiteren Peitschenschlag in einer obszönen Stellung. Auf den nächsten Peitschenschlag folgt die nächste Dame oder Gruppe. Dass Prinz Orlowsky darüber nicht lachen kann, ist kein Wunder. Das ist nicht lustig, sondern peinlich. Darüber kann nicht nur Prinz Orlofsky nicht lachen. Darüber freuen sich lediglich alte Männer mit Operngläsern.
Tenor und Adele überkandidelt; Rosalinde und Eisenstein ungezwungen
Tenor Alfred César Gutiérrez singt mit schöner, melodischer Stimme. Sein szenisches Potential beschränkt sich auf ein unnatürliches, albernes Getue, das sehr stark an Volkstheater erinnert. Ebenso Adele Anna Palimina, die mit ihrem kräftigen Sopran besticht. Leider fällt ihre Schauspielkunst etwas zu pointiert aus.
Rosalinde Simone Schneider hingegen punktet sowohl als Schauspielerin als auch als Sängerin. Ihre Körperbeherrschung verblüfft und ruft Bewunderung hervor, wenn sie im trudelnden Zimmer singt, und immer wieder in die Senkrechte kommt.
Eisenstein Paul Armin Edelmannsingt souverän mit einer melodischen Edelbariton-Stimme, mit der er auch leise singen kann. Auch seine Aussprache ist deutlich zu verstehen, selbst beim Gekraxel durch die Zimmerschlucht. Herrlich, wie er mal über die Stuckdecke am Kronleuchter vorbei läuft, in der Schräge sich am Kachelofen abstützt und immer wieder in der spitzen Ecke aufrecht steht. Echt super!
Der hervorragende Staatsopern-Chor in der Einstudierung von Michael Alber kann in dieser Inszenierung alle Register ziehen – sowohl stimmlich als auch szenisch top!
Das Staatsopernorchester unter der Leitung von Manfred Honeck musiziert sehr temperamentvoll und differenziert – wir hören begeistert zu.
Gemischte Gefühle – Bühnenbild super, Inszenierung weniger
So sehr uns das Bühnenbild von Philipp Stölzl begeistert, so sehr irritiert uns seine Inszenierung. Genauer gesagt, das Vorspiel. Zum einen wäre es schön, sich auf die Musik einzustimmen, statt durch ständige Aktionen auf der Bühne abgelenkt zu werden. Zum anderen sind derartige Opern-Inszenierungen – von/für Männer in den Wechseljahren – für Frauen eine Zumutung. Siehe: >>> Behüt’ uns, Herr, vor Schnee und Wind, und Männern, die in den Wechseljahren sind.
Inhalt / Handlung: Die Fledermaus – Oper von Johann Strauss
Fledermaus von Johann Strauss in der Staatsoper Stuttgart
Bühnenbild der Stuttgarter Fledermaus – gutbürgerlicher Salon schlägt Purzelbäume
Die Fledermaus von Johann Strauß in der Staatsoper Stuttgart
Musikalische Leitung Manfred Honeck
Regie Philipp Stölzl
Bühne Philipp Stölzl, Conrad Reinhardt
Kostüme Ursula Kudrna
Co-Regie Mara Kurotschka
Licht Volker von Schwanenflügel
Chor Michael Alber
Dramaturgie Xavier Zuber
BESETZUNG am 28.11.2010
Eisenstein, Paul Armin Edelmann
Rosalinde, Simone Schneider
Adele, Anna Palimina
Prinz Orlofsky, Helene Schneiderman
Dr. Falke, Miljenko Turk
Gefängnisdirektor Frank, Oliver Zwarg
Alfred, César Gutiérrez
Dr. Blind, Torsten Hofmann
Frosch, Josef Ostendorf
Ida, Cornelia Lanz (Opernstudio)
Die Fledermaus:
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3. Juni 2019
Hörbuch: Der Waschküchenschlüssel von Hugo Loetscher – gelesen von Emil Steinberger
Was hat ein Waschküchenschlüssel mit dem sprichwörtlichen Schweizer Pflichtbewusstsein zu tun, und warum findet sich kein gemeinsames deutsch-schweizer Wort für ein Überkleid?
Der Waschküchenschlüssel steht für Akkuratesse, Eigenverantwortung und Pflichtbewusstsein der Schweizer Seele. Die Geschichte spielt in einer Zeit, als die Waschmaschinen noch nicht in jede Wohnung Einzug gehalten hatten, sondern im Mietshaus eine einzige Waschmaschine vorhanden war, die jeder Mieter für eine bestimmte Zeit benutzen durfte. Jede Mietpartei bekam nach einem bestimmten System den Schlüssel zur Waschküche. Dieses System galt für alle – ohne Ausnahme.
Weiterlesen …
2. Juni 2019
♫ Oper Stuttgart: Luisa Miller von Giuseppe Verdi
„Luisa Miller“ mit Musik von Giuseppe Verdi in der Inszenierung von Markus Dietz in der Stuttgarter Staatsoper.
Luisa Miller liebt einen jungen Mann, ohne zu ahnen, dass er Rodolfo – der Sohn von Graf Walter – ist, der undercover das Leben seiner zukünftigen Untergebenen auskundschaftet. Dmytro Popov als Rodolfo – mit klarem Tenor – bringt sowohl Schmerz und Trauer als auch wahre Liebe zum Ausdruck. Annemarie Kremer als Luisa zieht alle Register mit ihrer warmen, schön gefärbten Stimme.
Luisas Vater ist zwar nicht ganz einverstanden mit ihrer Wahl, sieht aber das Glück seiner Tochter als höchste Priorität. Andrey Breus glänzt ausdrucksstark als Vater, der das beste für seine geliebte Tochter wünscht.
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31. Mai 2019
♫ Pnima – Oper ohne Worte von Chaya Czernowin
Zurück ans Licht – was ist hängen geblieben von dieser Geräuschmusik? Diese Musik in Bilder umzusetzen ist ein Kunststück der Regisseurin Yona Kim.
Kammeroper ohne Text, ohne Libretto, in der Stuttgarter Staatsoper.
Wer die Musik von Chaya Czernowin schon im Kammerkonzert gehört hat, wird sie sofort wieder erkennen. Viele Töne, Klänge, Geräusche, die mit den Musikinstrumenten erzeugt werden. Arien oder Musik im üblichen Sinne sind nur mit sehr viel Phantasie herauszuhören. In dieser Oper wird nur auf Vokale gesungen. Diese Vokalisen stellen Lieder dar, die Emotionen ausdrücken, wenn auch ohne Worte.
Die Regisseurin Yona Kim ist das Kunststück gelungen, die Bewegungen der Sänger und Darsteller exakt mit der Musik zu verbinden. Sie ist somit eher einer Choreographin vergleichbar. Yona Kim – und natürlich den Sängern/Darstellern, allen voran Yuko Kakuta – ist diese stimmige und unbedingt sehenswerte Inszenierung zu verdanken. Sie verlegt die Handlung in eine geschlossene Abteilung einer Psychiatrischen Anstalt. „Aus einem Irrenhaus“ wäre wohl der treffendere Titel.
Ein kleiner Junge lebt in einem Raum zusammen mit acht Erwachsenen, die alle einen psychischen Knacks haben. Der Junge reißt sich los und spielt für sich allein. Yuko Kakuta, die großartige Sängerin/Darstellerin, trifft genau den Charakter des Kindes.
Sie sitzen um den Tisch herum, essen; Tischmanieren sind out. Das Orchester spielt die Ess- und Schmatzgeräusche, ebenso das Zureichen der Speisen. Ein Mann in gestreifter Sträflingskleidung (Daniel Gloger, überzeugend von Stimme und Darstellung) sitzt vollkommen apathisch daneben, ohne zu essen. Irgendwann steht er auf und schaut durch ein kleines vergittertes Fenster, das aussieht wie die Luke in einer Gefängnistür oder in einem Irrenhaus. Letzteres trifft wohl eher auf die Personen zu. Sie stehen auf, reißen im Rhythmus Klebebänder ab, verkleben das Mobiliar mit dem senkrecht aufgestellten Fußboden. Nach einer Weile treffen sie wieder am Tisch zusammen, um Karten zu spielen. Die immer heftiger werdenden Geräusche liefert das Orchester.
Der Junge versucht, ein Eigenleben zu führen. Aber dann nimmt er sich aber immer wieder der Personen an, die nach seiner Aktivität in Starre verfallen. Gesungen werden Urlaute, die das Kind und die Erwachsenen verbinden.
Ein Sturm, ausgelöst von Kindern in Nazi-Uniformen, fegt über die Gesellschaft hinweg. Mit der einkehrenden Ruhe stehen über hundert winkende Kinder auf der Empore und zeigen eine neue Zeit an. Hundert Kinder symbolisieren einen Neuanfang und einen Blick in die Zukunft.
Als alles vorbei ist, kommen die Bewohner zusammen, versuchen, ihre zerstörten Musikinstrumente mit Klebeband zu reparieren. Auch der kleine Junge zeigt jetzt Ticks. Alle leiden unter Schüttelkrämpfen und Zittern, von der Musik kommentiert.
Fazit: einfach irre – das muss man gesehen haben

Kammeroper ohne Worte, ohne Text, ohne Libretto: Dem Stuttgarter Publikum sind derartige Töne, die Geräuschhaftes in die Musik transportieren, nicht unbekannt, siehe „Das Mädchen mit den Schwefelhölzchen“ von Helmut Lachemann und „Randolfs Erben“ von Ruedi Häusermann…
Pnima von Chaya Czernowin
Staatsoper Stuttgart
Musikalische Leitung Johannes Kalitzke
Regie Yona Kim
Bühne Herbert Murauer
Kostüme Katharina Weissenborn
Licht Reinhard Traub
Klangregie Dieter Fenchel
Dramaturgie Angela Beuerle, Albrecht Puhlmann
Besetzung
Frauenstimme, hoch Yuko Kakuta
Frauenstimme, tief Noa Frenkel
Männerstimme, hoch Daniel Gloger
Männerstimme, tief Andreas Fischer
Klarinette Volker Hemken
Saxophon Rico Gubler
Posaune Uwe Dierksen
Singende Säge David Shively
Viola Mary Oliver
Violoncello Séverine Ballon
Staatsorchester Stuttgart
Statisterie der Staatsoper Stuttgart
Kinder aus Schulen in Stuttgart und Umgebung
Geräusche:
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25. Mai 2019

Schlagwort: Rückblende

Was hat sich an den Werbesprüchen der Parteien vor Wahlen seit 2011 geändert?

Andreas Schwarz von den Grünen antwortet mir freundlich, sachlich und kompetent.

Der FDP ist das Eintrittsalter für Rentner egal.

Die Linken sind ganz klar gegen eine Rente mit 67.

Auf meine Frage: „Was tun Sie für die Senioren?“

Der Vertreter der CDU musste auch erst im Parteiprogramm nachschauen.

Bei der Piratenpartei hatte der junge Mann gerade sein Abitur hinter sich gebracht.

Fazit: Ich gehe morgen zur Wahl.

Betonmauern brechen auf und geben den Blick aufs Meer frei

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